ROCK - St. Vincent “All Born Screaming” - MASTERPIECE - Music Review— 2024

FRENCH

Annie Clark (AKA St. Vincent) revient avec un album magistral. Sombre, puissant, profond. Son 7e opus. Une nouvelle fois essentiel, intense, riche. Les mots s’accumulent, tente de refléter sa richesse. Ce disque traverse le cœur comme une épée pourrait le trancher. Il sonde cette époque incertaine, douloureuse. Sa musique accompagne et sa beauté éclaire. Organique.

Dès les premières secondes, Hell Is Near fait l’effet d’un présage. Les guitares rampent, s’échauffent. Puis Reckless s’avance, lente montée en tension, piano et feu dans la gorge. Le sang bat sous la peau. Puis tout bascule. La batterie explose. Les machines lacèrent. La tension lâche. Écriture embrasée. Place à la rage. Premier choc. Et une plongée dans le monde de All Born Screaming. Un voyage hypnotique en dix titres, dix chapitres.

Violent Times et Broken Man.

Different eyes
You're the same, but I got different eyes
How could I ever have been so blind?
Blame these violent times

When all of the bombs inside
All of the wires I hide
All of the wasted nights chasing mortality
But in the ashes of Pompeii
Lovers discovered in an embrace
For all eternity

(Violent Times)

Violent Times : Ce titre explore les tumultes contemporains. Exploration poignante. Poème aux images fortes, émotions complexes emportées par une écriture soignée, des arrangements musicaux sophistiqués et enivrants.

Ce titre déchire le silence avec ses cuivres synthétiques. Ils ouvrent la chanson et nous immergent dans une ambiance sombre et angoissante. Une ambiance qui évoque le roman1984 de George Orwell. Ou peut-être un « James Bond » dark et torturé qui porterait les talons hauts d’Annie Clark. Tout au long du morceau, la voix de St. Vincent, enveloppée d’un léger écho, accentue cette atmosphère dystopique, rappelant l’album Diamond Dogs de Bowie (adaptation libre du roman d’anticipation d’Orwell).

Un rêve éveillé et cette voix aérienne plane en douceur sur la boîte à rythmes, laquelle incarne les palpitations d’un cœur s’emballant dans une course effrénée. Confusion. Le chant, qui s’élevait avec une tendresse initiale, atteint dans le troisième acte une intensité bouleversante, se muant en une complainte douloureuse tandis que les guitares agissent à contretemps comme des impacts foudroyants. Cinématographique. Délicat. Annie Clark parvient à jouer avec des textures uniques.

Subtil. Élégant. Viscéral.

Ce morceau est construit sur une montée infinie. Montée de la mélodie, de la voix, des mots. Lançant le titre par un soupir, les paroles de Violent Times, telles que « I forgot people could be so kind in these violent times » (« J’ai oublié que les gens pouvaient être si aimables en ces temps violents »), reflètent une quête d’empathie dans ce monde en proie à la violence. Une empathie que les pouvoirs en place demandent à gommer. La douceur se mariant à la dureté. Mais les hommes et les femmes ont cette capacité à se montrer complexe dans des périodes si troubles. Ce titre témoigne d’une contemplation tourmentée sur la brutalité et la cruauté actuelle. Le point de non-retour. Mais la lumière est toujours présente. Jamais elle ne disparait. La référence aux « cendres de Pompéi », où deux amants ont été découverts. Découvert dans une « étreinte éternelle ». Ils sont alors le symbole de cet amour, de cette connexion fraternelle au milieu de la destruction, du chaos. Cette juxtaposition entre des états oniriques et une réalité busque illustre les passions multiples, les aspirations contradictoires. Déambulations humaines. Ce texte est une ode à ceux qui résistent, ceux qui subissent, ceux qui s’aiment.

Broken Man : Ce titre est une grosse gifle. Annie Clark n’épargne pas l’auditeur. Dès les premières notes, le « broken man » captive par son énergie brute et cassante. Les beats électroniques, nerveux, instaurent une ambiance industrielle, presque dérangeante. La voix de la chanteuse, subtilement modifiée, intensifie une tension angoissante. Des riffs de guitare distordus surgissent et amplifie cette agitation intérieure. Puis l’entrée de la puissante batterie de David Grohl nous propulse dans une explosion sonore où guitares saturées et percussions se mêlent aux hurlements de la compositrice. Là on est vraiment dans du rock. Expérimental. Rock expérimental. Une expérience tragique, magnifique. Ça envoie ! c’est bon !

Broken Man ausculte la dualité humaine, mariant force apparente et fragilité. Le personnage, se qualifiant de « king-sized killer » et d’« earthquake shakin' », affronte ses démons, comme en atteste la question répétée : « Like you never seen a broken man ». Le refrain, avec des interpellations telles que « What are you looking at? » et « Who the hell do you think I am? », défie les ressentis extérieurs, réfléchissant une lutte interne. Les vers suivants renforcent cette agitation:

« Lover, nail yourself right to me
If you go, I won't be well
I can hold my arms wide open
But I need you to drive the nail »

Ces lignes mettent en lumière une dépendance émotionnelle, une soif d’intimité, malgré les apparences de robustesse. Le pont de la chanson introduit des questionnements sur l’image de soi et la perception des autres :

« Well, how do you see me now?
You built my tower to tear it down
But how could you see me now?
If I stopped cracking up myself »

Annie Clark commente les constructions sociales et les attentes placées sur elle. Comment résister au regard des autres ? Comment se mesurer face au succès ? Comment ne pas tomber ? Elle exprime le désir d’être vue au-delà de ces façades. La rage la submerge. Impuissante, elle se laisse aller dans un gouffre. Perds pied. Bascule.

Le disque prend fin avec la chanson éponyme All Born Screaming, offrant une invitation à la méditation et à la réflexion à travers une transe envoûtante. Planante. Si nous crions, c’est que nous sommes vivants. Bonne nouvelle ? Bonne nouvelle. Ainsi se termine notre traversée sur le « bateau ivre » d’Annie Clark.

Pochette : La pochette de l’album, conçue par Annie Clark elle-même, est une œuvre en soi. Elle invite à un voyage introspectif, oscillant entre ténèbres et lumière. S’inspirant de Goya et Bosch, l’artiste crée une architecture minimaliste, dominée par un fond sombre, qui met en avant sa silhouette embrasée. Le mouvement torturé de la rock star enflammée se débattant au premier plan évoque le tableau de Goya « le 3 mai ». Cette représentation directe convie à une confrontation intime, reflétant les thèmes comme la fragilité et la force présentes dans l’album. Une dimension supplémentaire à l’a l’aventure musicale.

Deux ans après l’étonnant Daddy’s Home où St. Vincent se fond dans l’univers New-Yorkais des années70’s/80’s, elle revient avec un disque prodigieux. En tant que productrice unique, elle nous surprend, nous emporte dans son monde, nous charge de sentiments tumultueux. Son œuvre s’élève album après album, telle une cathédrale majestueuse.

Fondamentale. Majeure.

ENGLISH

Annie Clark (AKA St. Vincent) returns with a masterful album. Dark, powerful, profound. Her seventh opus. Once again essential, intense, rich. The words pile up, trying to mirror its depth. This record cuts through the heart like a sword could split it. It probes this uncertain, painful age. Her music accompanies, and her beauty illuminates. Organic.

From the very first seconds, Hell Is Near feels like a premonition. The guitars crawl, then burn. Then Reckless emerges—slow tension build-up, piano and fire in the throat. Blood throbs beneath the skin. Then everything flips. The drums explode. The machines slice through. Tension snaps. Blazing writing. Here comes the rage. First shock. And a dive into the world of All Born Screaming. A hypnotic journey across ten tracks, ten chapters.

Violent Times and Broken Man.

“Different eyes
You're the same, but I got different eyes
How could I ever have been so blind?
Blame these violent times
When all of the bombs inside
All of the wires I hide
All of the wasted nights chasing mortality
But in the ashes of Pompeii
Lovers discovered in an embrace
For all eternity”

(Violent Times)

Violent Times: This track dives deep into contemporary chaos. A poignant exploration. A poem full of striking imagery, complex emotions, carried by careful writing and intoxicating, sophisticated arrangements.

It rips the silence open with synthetic horns. These usher in the song, plunging us into a dark, anxiety-laced atmosphere. A world reminiscent of George Orwell’s 1984. Or maybe a twisted, tormented James Bond movie walking in Annie Clark’s high heels. Throughout the piece, St. Vincent’s voice, shrouded in light echo, intensifies this dystopian feel—evoking Bowie’s Diamond Dogs (his loose adaptation of Orwell's novel).

A lucid dream, and that airy voice floats gently over the drum machine, mimicking the racing heartbeat of a body in freefall. Confusion. The voice that rose tenderly grows into a harrowing cry in the third act, turning into a painful lament while the guitars crash in off-beat like thunderclaps. Cinematic. Delicate. Annie Clark plays with rare textures.

Subtle. Elegant. Visceral.

This track is built on an infinite ascent—melody, voice, lyrics all climbing. The song begins with a sigh, and lines like “I forgot people could be so kind in these violent times” reflect a yearning for empathy in a world drenched in violence. An empathy that power structures try to erase. Softness mingling with harshness. But men and women remain complex, even in the most chaotic times. This track contemplates brutality and cruelty in a world past the tipping point. Yet light is always there. It never disappears.

The reference to the ashes of Pompeii, where two lovers were found, caught in an eternal embrace, becomes a symbol of love, of human connection amid destruction and chaos. This interplay of dreamlike states and brutal reality reflects the contradictions of human longing. Wandering souls. This piece is an ode to those who resist, those who suffer, those who love.

Broken Man: This track hits like a punch in the face. Annie Clark shows no mercy. From the first notes, the broken man seizes us with raw, jagged energy. Nervous electronic beats create an industrial, nearly disturbing mood. The singer’s subtly distorted voice builds a sense of creeping dread. Distorted guitar riffs erupt and heighten the internal storm. Then Dave Grohl’s thundering drums launch us into a sonic explosion where saturated guitars and pounding percussion crash into Clark’s howls. Now we’re deep into rock. Experimental. Rock. A tragic and magnificent experience. It hits hard—and it’s brilliant.

Broken Man dissects human duality—apparent strength paired with hidden fragility. The character calls himself a “king-sized killer” and an “earthquake shakin’”, confronting inner demons, underscored by the recurring question: “Like you never seen a broken man”. The chorus, with lines like “What are you looking at?” and “Who the hell do you think I am?”, lashes out at public perception, reflecting an internal struggle. These lyrics dig even deeper:

“Lover, nail yourself right to me
If you go, I won't be well
I can hold my arms wide open
But I need you to drive the nail”

They unveil emotional dependence—a thirst for intimacy beneath the façade of strength. The bridge questions self-image and outside expectations:

“Well, how do you see me now?
You built my tower to tear it down
But how could you see me now?
If I stopped cracking up myself”

Annie Clark unpacks social roles and the pressure of success. How do you withstand others’ gazes? How do you measure up? How do you avoid collapse? She longs to be seen beyond the surface. Rage takes over. Powerless, she plunges into a void. She loses her footing. She falls.

The album ends with the title track, All Born Screaming, a meditative, entrancing finale. Airy. If we scream, it means we’re alive. Good news? Good news. Thus ends our voyage aboard Annie Clark’s “drunken boat.

Cover Art: The album cover, designed by Annie Clark herself, is a work of art. It beckons to an introspective journey, suspended between darkness and light. Drawing inspiration from Goya and Bosch, she crafts a minimalist architecture, dominated by blackness, placing her burning silhouette center stage. The tortured movement of the rock star on fire evokes Goya’s The Third of May 1808. This raw image invites intimate confrontation, echoing themes of fragility and strength embedded in the record. It adds another dimension to the musical adventure.

Two years after the surprising Daddy’s Home, where St. Vincent embodied the gritty New York of the '70s/'80s, she returns with a prodigious record. As sole producer, she astonishes us again, drags us into her world, burdens us with wild emotions. Her body of work rises album after album, like a majestic cathedral.

Fundamental. Monumental.